去年底听说谢燊杰要在华艺节导演《谁怕吴尔芙》的时候，心里实在是有所存疑的。许多问题一涌而上：经典剧作的呈现对当下的观众有什么意义？要尽量保留经典原貌还是需要改编？新加坡华语剧场的演出团队是否能够处理得了经典？美国剧作家Edward Albee创作于六〇年代初的英语原著，翻译为华语之后，文化与历史脉络是否能够有效传达？创作团队是否要转移脉络而将美国经典进行在地化的改写？他们要怎样面对与处理这个同时具有写实风格与荒谬精神的经典？
带着种种疑问，去看《谁怕吴尔芙》。两个小时之后，我被说服了。谢燊杰和他的团队，为观众呈现精彩的经典，也解答了我心中的许多疑问。
演员还没有上场，王志伟的舞台设计就先声夺人。完全写实的场景，每一个细节都照顾到。在新加坡的剧场里，很少看到这么讲究的写实呈现。从前看过的一些写实剧，有时候还是让我在看演出的时候，觉得那明明就是制作不是太精致的道具。我仔细的浏览每一面墙，每一张挂在墙上的画作，每一个酒瓶和酒杯，每一扇门窗。当演员用力关上大门时，我特别留意布景板做成的墙壁有没有晃动。没有。很好。舞台上制造了完美的幻觉。
刘诗璇、黄家强、王德亮、刘俊葳，新加坡华语剧场的资深实力派演员。演出过程中偶尔会出现一些忘词等的瑕疵，那是难以避免的，也是现场的，没有NG没有retake的剧场演出的特质。他们创造了具有生命的戏剧角色，展示了具有说服力的斯坦尼表演体系的演绎。四位演员我都认识，这样的背景让我有时候产生“破除幻觉”的效果，不过，那是我的问题了。大多数的时候，我完全相信，他们就是活生生的Martha, George, Honey, Nick. 《谁怕吴尔芙》让这几个演员有了展现他们实力的平台。
最让我惊喜的，是剧本的翻译。演出节目表中没有注明翻译者，我问了才知道，是导演谢燊杰翻译的。要将一个无论空间或时间上都有距离的剧本，从英文翻译成华文，又是在一个中国/台湾/香港以外的华文社会演出，那是巨大的挑战，几乎是不可能完成的任务。燊杰的翻译，对我来说，已经尽力做到照顾到所有可能出现的语言与文化翻译的问题。演员叙述出来的台词，虽然是有一点因为翻译而难以避免会产生的生涩，不过，却不是文学读本的语言，是舞台演出的语言。这是翻译者很有意识的做到的效果。整体而言，自然流畅，有节奏感，忠于原著的精神，不会成为舞台行动的阻碍反而有助推进。有敏锐的语感，有丰富的舞台经验，有深刻的文化了解，都是《谁怕吴尔芙》翻译成功的要素。
这里只是写一些我看了戏之后的感想，而不是演出评论。还有一些重要的问题没有讨论，譬如说，在当下的社会文化脉络中再现经典有什么意义？创作者和观众要如何面对经典？这个戏再现了什么存在的课题，以及如何再现这些课题？因为这是我上课要学生做报告的戏，而有些学生可能会看到这个部落格，所以我就不多说了。呵呵。
谢谢燊杰和整个创作与制作团队，为观众呈现了这么一个精彩而近乎完美的经典。
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