国事的谈与不谈

《联合早报》2015年7月4日
舞台亮起 ◎ 柯思仁

老舍写于近六十年前的剧作《茶馆》，有一个经典句子“莫谈国事”，张贴在人来人往的茶馆的墙上。从十九世纪的最后几年，到人民共和国建立的前夕，前后半个世纪风起云涌的现代中国时期，茶馆里写着“莫谈国事”的字条越来越多，字体也越来越大。那是一个剧烈阵痛连绵不绝的时代，也是一个压抑与彷徨的时代。基本生活都难以维持，又有什么闲暇精力去谈论国事？吊诡的倒是，正是因为社会动荡民生不继，谈论国事似乎是有识之士改变国家命运的切入点。需要谈论国事而又不能谈论，是那个时代那个国家面对的反讽。

切换到当下岛国的场景，这里看起来是生活丰腴富足、遍处歌舞升平。这样的环境里，还有没有“谈论国事”的需要与期待？有没有“莫谈国事”所指涉的惊恐与焦虑？或者，“莫谈国事”已经被框限在克难的过往，而对于当下来说是一个毫无关联的议题？这些问题的提法，其实也很明显是刻意的反诘。答案的是与否，结合到现实的脉络，反倒让人心底生起一丝苍凉。

更应该问的也许是，谁需要谈论国事。《茶馆》中把这个任务付托给那些知识与资产阶层，像常四爷、秦仲义、崔久峰，虽然他们的义愤与理想最后都被叙述成遭遇时代洪流灭顶的无奈。苦心经营茶馆、小心周旋于众人之间的王利发呢？贫困得需要买女求生的康六和他那个被卖给太监为妻的女儿康顺子呢？穷途潦倒而以算命为生的唐铁嘴呢？共穿一条裤子的逃兵老林和老陈呢？这些底层社会的人物，在老舍的笔下，已经无暇自顾，又遑论谈论国事的能力？

老舍创作《茶馆》的位置，应该更接近于常四爷这些人物，以中国传统知识分子忧国忧民的姿态，叙述“莫谈国事”的历史情境，实际上是以文笔和戏剧在关心与思考国事。不过，那些王利发们和康六们看起来与国事的谈论无关，虽然他们的困境正是国事问题所致。他们说或不说，想或不想，老舍似乎已经无能为力了。

戏剧工作者往往也在扮演知识分子的角色，以剧场作为谈论国事的平台。如果是常规的封闭式空间的剧场，创作者和观众大概也都是《茶馆》里的常四爷们，谈论着他们的社会圈子以内或以外的情事，而那些王利发们，更别说是康六们，都被排除在剧场的真实的墙和社会圈子的隐形的墙之外。要怎样把从不踏入剧场的民众带进谈论国事的场域，让他们也参与那些和他们切身相关的议题，重点已经不是打破产生幻觉的第四堵墙，而是需要把将戏剧围困起来的整个建筑的外墙加以拆除了。

剧场建筑不宜也不能拆除，就把戏剧带到人群之中。这也就是为什么戏剧盒多年来持续推动论坛剧场的演出，并坚持离开常规剧场、走入生活心脏地带的社区中心。十五年来，人潮如鲫的社区里有了戏剧，不过不是精致优雅的演出，而是借用戏剧形式进行国事的再现与讨论。

论坛剧场的演出方式，是先演示一个人们熟悉的生活情境，并在危机发生、矛盾无法克服的时刻中断，让观众进入一个以切身感受与经验进行思考的阶段。社会与政治、种族与宗教、个人与集体，没有什么是不可以或不应该谈论的课题，因为这些都是人们的生活现实。戏剧盒的经典论坛剧场作品《是恶作剧还是犯罪！》，叙述的是地铁列车上听说有人置放炸弹，众乘客在一片荒乱与怀疑之中的处境。演出者接着邀请观众代入剧中人物，并以语言和行动设法化解危机。观众最终不一定解决得了问题，不过，扮演过程即已让他们亲身经历一次场景，并得以操练思考和处理的方式。

《是恶作剧还是犯罪！》和来自台湾、印度、英国的演出，这个周末在实龙岗社区中心举行的论坛剧场节里亮相。生活在社区里的人们，也许多数从来没有走进剧场，饭后在社区走动的时候，也许会偶然发现，那些仿佛远离他们的国事，原来和他们的生活是那么息息相关。

跨文化戏剧学院毕业生 重演柯思仁作品《市中隐者》

跨文化戏剧学院照片

《联合早报》2014年11月20日
邓华贵／报道

跨文化戏剧学院今年的毕业生将在下周呈献最后一部毕业作品《市中隐者》（Invisibility）。

《市》是本地剧作家柯思仁最初于1996年创作的华语剧，主要叙述男主角寻找隐身术的过程，间中穿插他在厕所、公园所遇见的异人怪事，表现个人对所处环境状态的反应。

此次演出由戏剧盒艺术总监郭庆亮执导，除了学院七名毕业生参演，也特邀本地剧场演员许婉婧客串演出。

隐身是一个象征

郭庆亮在电访中透露，他曾在近20年前排过这出戏，时隔多年再看这部剧，感触不同。他说：“剧情讲述一个人想要学习隐身术，非常有象征性，可从中看到很多现代社会的现象。多年前当我看这部剧时，感觉作品批判性的意味比较强。如今重新回顾剧本，想想现在的社会已经不同，我也老了20岁，而比较能体会人物在剧中寻求的一种孤独感。”

他指出，剧本好玩的地方在于隐身是一个象征。“人为什么要隐身？是希望别人不要看到你，还是一种孤独的追求？就像陶渊明当年归隐田园生活，除了要避世，相信更是一种寻求孤独、自我完成的过程。”

着重于肢体表现

演出以多种语言如意大利语、西班牙语等进行，充分体现学院“跨文化”的精神。郭庆亮表示，演出也着重于肢体的表现，并借用东方古典表演戏剧的内涵来进行探索。“所谓‘跨文化’不是要把所有的文化放在一起，而是将不同的文化内化。”

●多语言剧《市中隐者》／11月27日至29日／晚上8时，星期六增演下午场3时／戏剧中心黑箱剧场（国家图书馆大厦）／20、25元／订票： www.ticketmash.sg/invisibility

梳理那段华语戏剧的历史（书评）

《联合早报》2013年12月10日

陈宇昕∕文

阅读新加坡华文剧场的历史，仿佛阅读了新加坡社会思潮转变的历史。

南洋理工大学中文系主任柯思仁副教授上个月推出了《戏聚百年：新加坡华文戏剧1913-2013》（戏剧盒与新加坡国家博物馆联合出版）以非断代的方式，诉说新加坡华文戏剧的历史。

本书最大的发现，即是在史料当中发现早在1913年11月7日，一个由本地华社组织，以“耆英善社”为名的白话戏（现代意义的剧场演出），已在牛车水梨春园上演，是一场慈善演出，获得社会热烈反响。

这个发现将普遍认为新加坡本土华文戏剧起点的1919年，提早了六年，以至于有了百年的历史。

事件环环相扣  体现历史延续性

本书分五大部分，探讨现代戏剧的发生与成长、政治运动中的艺术开创、国家想象的同路与歧途、重新整合与认同的建构，以及新生代崛起的多元时代。

柯思仁在后记中表示，他并没有继承前人方修与杨松年教授惯用的分期发，这样的五大部分论述“并非严格意义上的分期”。

他说：“历史的发生，很多时候能够以某个或某组事件为重心，看到明确的阶段。不过，每个阶段也都是环环相扣，前一个事件还有后续，而下一个事件已经开始。因此，五个部分虽然还是可以看得出时代的先后，我没有具体点出阶段的起讫，想要表达的是历史的延续性，以及前后时间不可分割的性质。”（页243）

本书不以剧本文学为讨论对象，罗列代表性剧演活动、剧团、戏剧人建构历史。

戏剧体现社会思潮的演变

为什么说这是社会思潮演变的缩影，不得不由剧场活动的本身开始说起。剧场活动在19世纪初期开始发挥影响力的时候，其社会性特色浓厚，往往被用作为教化工具，新思潮勃发的时代，人们利用戏剧教育观众以新思想，所以戏剧在新加坡的发展也离不开社会教育。

比如二战时期的新加坡华文戏剧活动，大多与抗战筹款有关，洋溢这侨民支援祖国的热情。

书中提到50年代新加坡“想象马来亚的热潮”，以南大戏剧会1958年演出《钗头凤》时出版的特辑为例，这份特辑内竟印有华文、英文与马来文三种语言的介绍，尝试向不讲华语的观众群伸出触角。

到了反殖时期，新加坡投入组建“马来西亚”的梦想，这些思潮的变化，也体现在戏剧活动上，比如许多戏剧演出的海报、特刊上，变成了华文与马来文的双语形式，而英文则在这股浪潮中被逼退。

在这个过程中，本土意识以及具有本土意识风格的剧作也大量被生产出来。

柯思仁写道：“（这）显然是受到新加坡自治时代的到来，以及对马来亚独立建国的期待所促成。不少剧团的负责人和报章上的评论者，相继呼吁能够反映本地生活的剧本创作，并都指向加强马来亚意识、建设马来亚文化的目标。”（页98）

戏剧作为意识形态的宣传工具，亦成为各个党派用以宣扬理念的管道，书中指出，自1959年新加坡自治政府成立以来，人民行动党也通过其中央与各区支部成立戏剧组织，举行戏剧演出活动。而当中非常重要的人物非剧作家王里莫属。

“王里的剧作往往表现与前者（具左翼色彩的民间剧团）对立的立场。《过去的年代（1969年，行动党直落亚逸支部演出）》塑造的华校生，曾经在50年代参加学生运动，后来觉悟是被煽动与利用……这些剧作，否定与批判学生的社会、政治参与，也宣扬政府的稳定社会、发展经济的政策。”（页106）

剧团左倾路线关注社会底层阶级的困境

即便如此，柯思仁发现，上世纪60年代下半期开始，越来越多民间剧团展现出强烈的左倾路线，开始关注社会底层阶级的困境，“以阶级抗争的方式表现对社会形态的理想与憧憬。这种方向，与新加坡政府为国家发展制定的社会经济蓝图之间，发生直接的矛盾。”

在那个年代，许多左倾戏剧演出受到阻力，无法顺利演出，最终在1976年，政府援引内部安全法令，逮捕50名被指控涉及马来亚共产党地下活动的人，戏剧界人士吴丽娟、郭宝崑等人被捕，这个左翼思潮主导的戏剧文化浪潮才来到终结，以致于80年代以降的戏剧发展有了不一样的面向。

70年代末80年代初开始，新加坡政府便渐渐主导了华文戏剧的重组过程。当时的文化部长王鼎昌推出一系列文化艺术政策，全国艺术理事会也是在那样的时代里成立，国家文化奖也于1979年起开始颁发，肯定本地有杰出贡献的文化人，林晨、刘仁心、郑民威、郭宝崑与韩劳达几位资深戏剧界人士都先后获得文化奖肯定。

接着90年代便是新生代戏剧人的天下。

有趣的是这批20年前的新生代，依然是当下最活跃的戏剧界人士，他们大多以全职剧团的方式继续各自的戏剧事业，这是与前代大多民办团体非常不同之处，而他们的演出也更加多元，百花齐放。

这部史书以深入浅出的方式，讲述了新加坡华文剧场100年来的发展变化，作者排列史料，减少评论，希望读者能够更抽离地审视历史，但作者自己也透露“无可避免的是，在史料的编排与呈现的同时，也直接或间接显示了我对历史的看法。”

作者未必然，读者何必不然？最重要的是，新加坡华语戏剧的历史，终于又有了新的梳理。

至于本书中提出的新史料虽然重新发现了戏剧史，但仍有诸多疑问暂时无法得到解答，诚如新加坡国际艺术节执行总监李楚琳在序中提到：“美名耆英善社的富豪会团在一百年前筹款赈灾时，为何舍弃了戏曲唱念做打的格式，偏选采用对话方式的白话新剧呢？……我看完了本书初稿，很想知道更多有关的事情，但愿后人再接再厉。”（页III）

（本书可在Select Books与草根书室购得）

100 Years of Chinese Theatre

Straits Times, 3 December 2013

by Corrie Tan

For decades, the works of eminent Chinese historian Fang Xiu were the go-to reference texts for those studying Chinese language theatre and history in Singapore.

The late scholar's writings were a labour of love; his book A Comprehensive Anthology Of Modern Malayan Chinese Literature was carefully put together over a span of 20 years, examining various forms of literature and drama between 1919 and 1976.

But playwright and academic Dr Quah Sy Ren could not quite dismiss the germ of a thought that Chinese language spoken drama had existed in Singapore prior to 1919.

Dr Quah, 49, tells Life!: "Fang Xiu had mentioned that there had already been theatrical activity in Singapore prior to 1919. But no one had really documented it. So I wanted to go look.

"Another perspective is, if you look at China and its modern spoken drama, it started in 1907. So there must have been something happening between 1907 and 1919. That was how I started."

The result of this inkling of a thought is Dr Quah's new book on Chinese language theatre in Singapore, titled Scenes: A Hundred Years Of Singapore Chinese Language Theatre 1913-2013. It was launched last Saturday. The 251-page hardcover book, a three-year undertaking, is co-published by home-grown theatre group Drama Box and the National Museum of Singapore.

Dr Quah is an associate professor at Nanyang Technological University and specialises in literary and cultural studies, as well as theatre and performance.

He notes that this book serves as an outline of theatre history, and hopes that more research and discussion can be built on its foundation. There are also plans to eventually translate the book, which is written in Chinese, into English.

Scenes was also inspired by a mini-festival of the same name curated by Dr Quah and Drama Box artistic director Kok Heng Leun in 2010 at the Esplanade. It included talks, workshops, play readings, as well as a showcase of milestones in Singapore's Chinese language theatre.

Dr Quah says: "Heng Leun and I went through the whole process of getting in touch with theatre veterans and they were so generous that they let us have a look at their personal collections of photos, programmes and memorabilia - I hadn't seen many of those items in my life.

"After a theatre production is over, most of these vanish and you never see them again. So that was really an inspiring and enriching experience."

The festival was a catalyst to unearth more of Singapore's theatre history. Dr Quah and his research team pored through thousands of microfiches and newspaper sources from the 19th and 20th century, including the Singapore variant of Sin Chew Jit Poh, Nanyang Siang Pay and Chin Nam Poh, all of which are now defunct.

The earliest record they found dated back to 1913 of a spoken drama production performed at the popular Lai Chun Yuen opera house in Chinatown. These early works were mostly philanthropic in nature, and were often used for fund-raising to aid disaster relief in China, or perhaps to build schools in Singapore or support various clans.

But gradually a specific Singaporean identity emerged from these theatre productions, especially after World War II.

Dr Quah says: "Regardless of era, whether in the 1950s, 1960s or 1970s, these works were directed at Singapore not just as a nation, but were also created for Singaporean society, the underclass, the man in the street - and all this was expressed through the theatre."

A strong sense of the intercultural also pervaded Singapore theatre in the early days: Chinese language productions sometimes contained detailed synopses in English and Malay, and Malay theatre groups such as Sriwana tackled Chinese classics in translation, such as Chinese dramatist Cao Yu's Thunderstorm (1933).

The book contains about 160 photographs and images of performances, including scans of theatre programmes from the 1950s that were designed and painted by hand.

Many of these images and memorabilia were sourced from veteran theatre practitioners in Singapore, including Feng Nai-yao, in his 80s, who was from the former Singapore Amateur Players.

Kok, 47, helped to conceptualise the book and Drama Box supported its research and writing.

He says: "I think we have come to a generation of Singapore artists who are speaking clearer with their particular style and voice. And all this doesn't come out of nowhere, it comes from a rich history. And it's time that we do documentation so that we can document the process of this cultural history. I think that's very important."

Scenes: A Hundred Years Of Singapore Chinese Language Theatre 1913-2013 is available from Select Books for $28.

配合首部百年华文戏剧史《戏聚百年》发布 剧场人畅谈本地华语剧场发展

《联合早报》2013年12月1日

邓华贵 / 报道

从早期以募款赈灾、抗战救亡为目的，到后来以反映阶级斗争、多元文化环境、移民政策等课题，本地华语剧场过去100年来无疑见证了岛国的社会、经济与政治发展史，同时提供了一面反思的镜子。

如今这100年的丰富历史，都收录在本地首部华文戏剧史《戏聚百年：新加坡华文戏剧1913-2013》，由本地戏剧研究学者、南洋理工大学中文系主任柯思仁副教授撰写。

柯思仁是三年前继华艺节制作“戏聚现场：新加坡华语剧展”与推出本地戏剧选集后，与新加坡国家博物馆及戏剧盒合作，系统梳理本地华语戏剧的源头与发展，并在近期完成著作《戏聚百年》。这是本地第一部有系统撰写的华文戏剧史。

配合新书出炉，柯思仁昨天于电力站剧场举办了闭门新书发表会，并邀请到国立教育学院李秉彝教授，前新加坡华语剧场联合会主席、剧评人邹文学，新闻工作者韩咏红，以及九年剧场艺术总监谢燊杰举行座谈，由戏剧工作者苏佳亮担任主持。

柯思仁：特别留意  被遗忘小人物小事件

作为一部记载本地华语剧场百年史的书籍，柯思仁表示在整理资料和撰写的过程，尽可能采取了最中立的笔调，并特别留意和记录历史中被人遗忘的小人物、小事件。

他在发表会上致辞说：“我们不难观察到，历史往往是有权力的人在书写。在各种历史叙述当中，其实有很多空隙，也许是一些被忽略、遗漏或排挤的人事物和声音。我想每一个人，不管是不是权力在握，都有权利参与历史的挖掘、叙述和建构。因此我希望借此书，让被人遗忘的小人物、小事件，也能够在历史上占有一个位置。”

在一小时半的座谈上，李秉彝谈到了二战后、50年代初期的本地华语剧场如何在外来团体影响下逐渐形成自己的生态。邹文学以剧场人兼报人的双重身份，畅谈华语剧场1960年代后的发展史。韩咏红分享了她10多年前担任《联合早报》艺术专线记者时，所观察到剧场与政府机构之间的微妙关系。谢燊杰则探讨了本地华语剧场目前所面对的四大问题。

参与筹办这次新书发表会的戏剧盒艺术总监郭庆亮说：“在剧场工作了20年，我慢慢体会到剧场需要两个很重要的空间，一个是记忆，一个是想象力。记忆不是一个可消费的物品，它往往是想象力的土壤。这次出版《戏聚百年》的工程因为有许多人的投入，让我们能将先辈的一些经历、智慧和记忆累积下来。有了这些记忆，我们的想象力才能在一片肥沃的土壤里生长。”

昨天的新书发表会也邀请到教育部兼通讯及新闻部政务部长沈颖担任嘉宾。

《戏聚百年：新加坡华文戏剧1913-2013》售价28元，可到精选书局（Select Books，Armenian Street）购买。

本地第一部 百年华文戏剧史出版 柯思仁著《戏聚百年》

《联合早报》2013年11月28日

陈宇昕／报道　龙国雄／摄影

1913年11月7日，一个以“耆英善社”为名的白话戏演出在牛车水梨春园上演。这一重大史料发现，让一般对新加坡华语戏剧起源于1919年的认知，整整提前了六年，今年恰好是100年。

本地戏剧研究学者、南洋理工大学中文系主任柯思仁副教授，三年前继华艺节制作“戏剧现场：新加坡华语剧展”与推出本地戏剧选集后，与新加坡国家博物馆及戏剧盒合作，系统梳理本地华语戏剧的源头与发展，最近终于完成著作《戏聚百年：新加坡华文戏剧1913-2013》。这是本地第一部有系统撰写的华文戏剧史。

最早的话剧演出追溯到1913年

柯思仁接受本报专访时说，本地前辈文史工作者方修，在其马华新文学大系中撰写了“戏剧”一集以及“剧运特辑”两集。方修首先整理出本地戏剧剧本与剧场活动史料，将1919年看作是新加坡华语戏剧的起点，但也表明在那之前，其实早有了白话戏剧的活动。

柯思仁说，中国现代白话戏剧起源于清末1906年，东京春柳社到上海发展后引起很大反响，因此他开始思考，当时上海及华南一带与南洋的交流密切，1907年至1919年之间现代戏剧怎么会没有传入？于是以1919年为起点，逐年回溯，最终在1913年11月7日的《振南日报》上发现“耆英善社”的白话戏剧演出资料。

那是一场赈灾义演，由华社组织，隶属同济医院，共演三天筹得超过1万银元。柯思仁说，相信这个善社只是一次性组织，并非剧团，目前没有文献说明他们还举办过其他白话戏演出。

这场剧演标榜“白话配景戏”，而白话、布景、实景和教育功能正是现代戏剧的特征，因此柯思仁将之纳入新加坡华语戏剧的历史脉络，成为本地华语戏剧最早出现的契机。

柯思仁说，这次整理发现了许多新的材料，再与一些回忆录、报章报道等交叉核对，最终实事求是地编撰成史。

与本地社会政治发展息息相关

戏剧作为一个重要的宣导教育媒介与工具，无论戏剧内容或剧场活动都充斥社会性，与本地社会政治历史发展息息相关，如早期的文明戏反对封建迷信，同时大多与募款赈灾有关。到了抗战时期，戏剧则呈现华侨心系祖国的心情，战后又投入到反殖建国的浪潮，如今则是百花齐放。

他以一张1959年自治政府成立后，国家元首尤索夫在当时的总理李光耀、当时的文化部长拉惹勒南揭幕国家剧场建筑地址的照片为例说明，在如此重要的官方场合中，揭幕牌匾以马来文和华文撰写，没有英文的存在，这是现在我们难以想象的。当综合时代背景来看，这个发现正好作为当时争取独立、建立马来亚，以及后来组织马来西亚这一系列事件的注脚。

这一系列发现对文史工作者而言，都是非常有趣且深富意义的。

华文报章是华语戏剧最重要推手

此外，剧场空间的改变也象征着戏剧发展的演变。他说，早期华语戏剧在传统戏曲的演出场所如余东璇街上的传统戏园里上演，白话剧与传统戏曲的关系仍处过渡时期。到了二三十年代，各大游艺场如新世界、大世界、快乐世界等陆续建成，戏剧便转移到游艺场，期间也有剧团尝试在维多利亚剧院上演戏剧，1959年后便进入国家推动兴建的演出场所，而今，剧场空间更是选择多元。

柯思仁说，华语戏剧最重要的推手当属各大华文报章，当时《星中日报》甚至曾以封面全版报道戏剧演出，可见当时戏剧是头等重要的大事。

柯思仁将在来临的星期六（11月30日）下午2时，在电力站剧场举行闭门新书发布会，与国立教育学院李秉彝教授，前新加坡华语剧场联合会主席、剧评人邹文学，新闻工作者韩咏红与九年剧场艺术总监、导演谢燊杰举行座谈。

●《戏聚百年：新加坡华文戏剧1913-2013》售价28元，可到精选书局（Select Books，Armenian Street）购买。

《老处女》：女性的反讽

以男性为主导的社会主流中，作为女性已经是相对弱势的群体，尽管人数上是旗鼓相当，甚至稍为过半。数量并不是衡量强势与弱势的绝对标准。那是过于简单的一种论述逻辑。《老处女》说的不仅是女性，而是在女性群体中的一群更为边缘的人物。她们有的渴望婚姻，有的追求爱情，有的梦想性的满足，可是，在男性直接的或隐含的注视之下，她们都被毫无细节的归类为“老处女”。这个带有歧视性含义的标签的存在，以及在此剧中被提出作为命题，就已经说明女性的社会处境，距离平权还有很大的一段距离。

如果说《玉梨魂》表现的是一种悲剧性的反讽，《老处女》则是一种抗议性的反讽。《玉梨魂》的悲剧性，来自剧中人物活在男性的意识框架之中而不自知，甚至协助稳固这个框架而造成对于其他女性的压迫。《老处女》的抗议性，则是在于人物展现某种时而朦胧时而崛起的主体意识，准备突围而出。不过，大多数时候，她们还是重新陷入那个无所不在的男性意识框架之中。

许婉婧饰演的女强人，将公司里的所有对她进行注视的男性，一一击败。这场戏结束时她站在高台上独自摆动舞蹈，倒是散发出一种落寞感。陈宛诗饰演的女同性恋者，看起来像是摆脱了男性世界的束缚，找到女性的自在。这两个人物，与剧中其他的女性相比，算是抗议生效的例子了。可是，如果放在更大的社会历史脉络中，主要由男性观点建构的胜利与幸福的观念，即使女性取得了，这是从她们的观点来定义的胜利和幸福吗？

《老处女》的抗议性，有点像李邪当年的经典之作《阴道独白》。正巧这次演出，导演是李邪。李邪说，她不是 feminist 而是 humanist. 我想，在目前的情况下，那是一种浪漫化的普世主义。也许，应该问一问的，是目前所谓的 humanism 是在一种怎样的观点之下被定义的。《老处女》所展示的各个女性的命运，似乎颇能说明这种处境。不过，如果这个 humanism 的界定权利能够被女性抢占成功，那倒是非常值得期待的啊。

《玉梨魂》中的女人与隐形的男人

导演君伟问我，为什么我没有来看排练。编剧倩如问我，我是不是失踪了。七月初，和倩如通过最后一次电邮之后，的确就不再问她关于剧本的进展。没想到再见到她，已经是十二月初，《玉梨魂》上演之日。

我当编剧，剧本脱稿之后，都不去看排练，直到正式上演，才以观众的身份出现在剧场。如果说剧本是我的亲生孩子，交给导演这个养父或养母，我就不会想要探望这个孩子，而是相信养父或养母会依照他们的方式，把孩子养育成人。孩子长大了，我来看看，就像认识一个新的朋友一样。

参加戏剧盒的白色空间编剧系列，作为 mentor，剧本不是我的孩子，而是我帮忙接生的婴儿。接生的过程，当然是全心全意投入，也还小心翼翼，让孩子顺利诞生。呱呱落地之后，我的任务已经完成，接下来可以期待的，就是孩子长大成人，我再来看看长成什么样子。

这一天终于到了，我在剧场里看《玉梨魂》的正式演出。

小剧场里，演出区搭起金属框架，象征房子的空间。设计的概念，跟君伟上一回导演的《上身不由己》有相似之处。一问之下，果然是同一个人李浩民设计的。我喜欢框架的概念，有一种简约自由的精神，可是也有一种空间界定的效果。

君伟导演的两个戏，风格与节奏完全不同。《上身不由己》是快速而环环相扣，《玉梨魂》则是平缓而有许多留白。君伟证明了他是一个 versatile 的导演，可快可慢，可以展现不同风格。

《玉梨魂》开始几场戏的世俗性，很日常生活，尤其是两姐妹（林宝凤和谢伊敏）的部分，处理得恰到好处的压抑感，而不会像电视剧的那种平淡无味。扮演母亲的骆明珠是经验老到的演员，她的出场以稍带戏剧化的表演方式，为戏剧冲突的发生带来预警。粤剧名伶卢眉桦以粤剧的说唱，叙述母亲的前一辈人的故事，产生一种遥远而又风格化的效果。后半部许多隐瞒许久的或未知的身世细节，一个接一个的揭示，感伤甚至震撼，却又不过度激情，让观众在某种抽离的状态中，带着沉静的情绪，咀嚼这些在当事人生命中翻天覆地的 revelation.

女人的生命故事，似乎都躲不掉男人的阴影。即使像《玉梨魂》，说的是四个女人的故事，可是她们的命运总是操纵在隐形的、无所不在的男人的掌控之中。就算男人不在了，他们对于女人的压迫，还是可以通过别的符号来施行，甚至更强烈。剧中的那只玉镯，正是这样的一个符号。这是一种无以逃避的现实。

我也期待，还有另外一种现实：女人说她们自己的生命故事，而生命中没有男性直接的或隐含的压迫。

戏剧盒“新剧季”：《玉梨魂》

这个学期教“新加坡剧场”的课，选了几个跟性别有关的作品，发现近十几年来，开始出现女性课题的剧作，虽然数量不多，但是都很有特色。刚好今年的戏剧盒“新剧季”推出的两个新作，都是跟女性有关的。非常期待。

第一个上演的《玉梨魂》，剧作者是吴倩如。她曾经在90年代中，写过《妈妈的箱子》，演过好几次，每一次看演出或是读剧本，都让我感动。那是一个经典的作品。当年和林春兰的《后代》前后推出，两个经典。这次的《玉梨魂》，有四个女性角色，三代人。我在剧中看到我所认识的女性亲人的影子，然后从她们的身上，看到我自己。

女性书写。女性写她们自己的故事，而不是在男性的意识中，透过男性的视角来写女性。女性写她们的挣扎，也写她们的主体。但是，现实是，她们的书写往往难以摆脱男性意识与权力的笼罩，更不用说是她们的社会存在了。这方面，我看来可以期待“新剧季”的另一个作品《老处女》。

玉梨魂
2011年12月1—4日（星期四至星期天）

编剧：吴倩如
导演：杨君伟 （2009年凭《上身不由己》获海峡时报“生活！戏剧奖”提名最佳导演）

演员：骆明珠、谢伊敏和林宝凤
特别演出：卢眉桦 （1980年国家杰出青年奖，1997年国家文化勋章，敦煌剧坊创办人之一）
票价:S$28

剧情简介 大伯母出殡当天，妈妈叫大女儿去跟堂姐拿回祖母留下的玉镯。故事从这里展开。剧中的妈妈、大女儿、小女儿碰在一起，不是自怨自艾，就是针锋相对，或说些不清不楚的往事……

详情见：戏剧盒的部落格

论坛剧场来南大

戏剧盒是这些年来在新加坡做最多论坛剧场的剧团。他们多数时候在社区演出，把社会课题直接带到大众的生活空间。这也是论坛剧场的重点。人们可能以为可以回返自己的生活空间，就不必面对社会问题，问题变得与己无关。可是，这些问题仍然存在，问题所再现的意识形态仍然充斥社会，形成压迫性的氛围。

戏剧盒让这些问题，直接摆在眼前，人们必须面对，必须认识，必须思考。

南大人文学院的小小的剧场空间，不久前演出中文系同学全力制作的《棺材太大洞太小》，现在又有戏剧盒带来的论坛剧场《多少？》。听说，英文系也有好些活动在这里举行。看来，这个空间的出现，可以期待许多惊喜。

台湾剧作家纪蔚然演讲

几年前在台北看过两次纪蔚然剧作的演出，印象深刻。他的戏剧，有一种都市生活的节奏和气氛，语言也有台湾人的急智和创意。纪蔚然是多产剧作家，这些年来，创作量大，在台北都市观众中，也很受欢迎。这次，戏剧盒邀请到纪蔚然来主持“白色空间：编剧系列”的工作坊，是参与者的运气。可惜的是，我虽然是这个编剧系列的导师，由于工作关系，无法出席工作坊。纪蔚然会在戏剧盒演讲，应该是非常值得听一听。

讲题：新感动主义：当代台湾戏剧
主讲：纪蔚然

日期: 2010年10月17日（星期日）
时间: 下午3时至5时
语言: 以华语进行
地点: 戏剧盒 (14A-C Trengganu Street，Singapore 058468)

入场免费，但由于名额有限，请在2010年10月15日前电邮 blancspace@dramabox.org 定位，以免向隅。请也附上姓名和联络号码。戏剧盒将通过电邮确认报名。

关于纪蔚然

辅仁大学英文系毕业，美国堪萨斯大学戏剧硕士，美国爱荷华大学英美文学博士，现为国立台湾大学戏剧学系教授。曾发表过的舞台剧本有《愚公移山》、〈死角〉、《难过的一天》、《黑夜白贼》、《夜夜夜麻》、《也无风也无雨》、《一张床四人睡》、《无可奉告》、《乌托邦Ltd.》、《惊异派对》、《好久不见》、《嬉戏之Who-Ga-Sha-Ga》、《影痴谋杀》、《倒数计时》、《疯狂年代》；电影脚本《绝地反击》、《自由门神》；动画片《红孩儿：决战火焰山》；散文集《嬉戏》、《终於直起来》、《误解莎士比亚》；学术专书《现代戏剧叙事观建构与解构》等。

市中隐者/ 气息尚在 Invisibility/Breathing

戏聚现场：演出现场
市中隐者/气息尚在
Cake 剧场（新加坡）

不安份的人。
这一分钟他在贫瘠的荒原，下一刻他在某城市的公厕。
下下一刻，他带着一本书，坐在岩石上。
再下一刻，他拖着尸袋跨越尘世。
不安份的人。
他渴望消失。
渔夫和声名狼藉的女人。 他们与不安份的人交往。
他们不知道他从何处来，往何处去。
他们毫不关心。他们疲惫不堪，
几乎是累垮了，几几乎就要消失了。
不安份的人，渔夫和声名狼藉的女人，不可思议，绝对悲伤。
他们渴望消失。但是，这里头确实有些难度。

《市中隐者/气息尚在》重新审视柯思仁1996年的剧作《市中隐者》里不安份的人在不安份的世界里徒劳的渴望。

导演: 娜塔莉 (Natalie Hennedige)

时长约90分钟，无中场休息。华语演出，附英文字幕。

2010年2月19日，星期五，晚上8时 (包括演后交流会)
2010年2月20日，星期六，下午2时

门票在全岛各处的SISTIC电脑售票处出售。另外，公众也可上滨海艺术中心网站www.esplanade.com购票。

票价：$30（不包括SISTIC订票费）
在籍学生、国民服役人员及乐龄人士优惠票有限：＄21

华艺节委约；滨海艺术中心与戏剧盒联合制作。

SCENES: The Performances
Invisibility/Breathing
by Cake Theatrical Productions (Singapore)

The man is restless. One minute he is in a barren wasteland, the next he is in a public toilet in the city, the next he’s sitting on a rock with a book, the next he’s dragging body bags across endless dust. The man is restless. He wants to disappear. There is also a fisherman and a woman of great disrepute. They live and interact with the man. They know not why he’s come nor where he’s going. They don’t care. They are tired and weary. Stretched thin, almost disappearing. The man, the fisherman and the woman of great disrepute, they are altogether strange, altogether sad. Hopefully they’ll disappear. But it’s never so easy.

Invisibility/Breathing is a theatrical response to Quah Sy Ren's Invisibility (1996), examining the hope and futility of restless people in a restless world.

Directed by Natalie Hennedige.

90mins, no intermission. Performed in Mandarin with English surtitles.

19 Feb 2010, Fri, 8pm (Including post-show)
20 Feb 2010, Sat, 2pm

Tickets are available now at all SISTIC outlets and Esplanade’s website at www.esplanade.com.

Ticket price: $30 (excluding SISTIC booking fee)
Limited concessions for student, senior citizen and NSF at $21.

A Huayi 2010 festival commission, co-produced by Esplanade – Theatres on the Bay and Drama Box.

80 年风云再现 新加坡华语剧展：展览现场

《联合早报》2010年2月2日
● 周文龙

由柯思仁策划，陈家毅设计，戏剧盒和滨海艺术中心联合呈献的大型回顾展“新加坡华语剧展：展览现场”今天正式开幕。这个展览主要以文物资料，包括剧照、手抄剧本、演出特刊、道具、服装、奖杯等，再现本地华语戏剧80多年的历史。

珍贵瞬间与过往场景的再现，将参观者带回历史现场，回顾本地剧场人80多年来的一个个闪亮时空。

记者访问了本地华语戏剧的四代人：冯乃尧、邹文学、吴悦娟和刘晓义，了解他们在华语剧场不同时期所面对的不同挑战，以及在时代变迁中，他们对本地华语戏剧发展的想法和期待。

冯乃尧：华语戏剧是对社会的使命

说起本地华语戏剧，冯乃尧三天三夜也说不完。今年77岁的他，自上世纪50年代开始参与本地华语戏剧活动，至今伴随本地戏剧走过60年岁月。

本地华语戏剧缘起于三四十年代，在许多中国南来剧团，以及一系列救灾、抗日筹赈演出推动下活跃起来。冯乃尧就是在那个时代开始接触戏剧。

他在爱同小学跟本地戏剧先辈朱绪学戏，培养了对戏剧的兴趣，升上中正中学后，自然参加了中正戏剧研究会，积极参与校园演出。

他说：“我还记得以前根本没有正式表演场地，大家都是在大世界、新世界等游乐场演出；台上演员在演戏，台下旁边酒楼顾客在叫饮胜，场面乱极了。晚上演出完后，剧团成员还得轮流守夜看住舞台布景道具，以防有人偷去。”

1954年，新加坡发生华校生反对殖民地政府的“五一三事件”，学校戏剧活动一下子停顿下来。冯乃尧考虑学校不再适合搞戏剧，隔年跟郑民威、陈炳文、刘仁心、蔡国华等一群戏剧爱好者创立新加坡艺术剧场，成为艺术剧场创团成员之一。新加坡艺术剧场也是今天本地历史最悠久的戏剧团体。

冯乃尧坦言当时许多戏剧工作者并不懂什么戏剧理论，只对文化艺术感兴趣，对社会有一种使命感，要以戏剧教育民众。

比如他在1954年参与的《家》，花两三年时间动用200人完成，许多参与者不仅自学各种舞台技术，也出钱出力筹款。

“《家》可说是本地戏剧的重要里程碑，演出非常受欢迎，分两个晚上演出，演了半个多月，可见戏剧气氛是多么高涨。”他说。

本地华语戏剧在80年代初期，逐渐陷入积极性减退、后劲不足的困境。对此冯老感叹说：“现在年轻人搞戏也很用功，但我觉得他们都没有过去的激情，不过这也难怪，毕竟时代不同了。”

回忆剧场来时路和60年来人与事，冯老感触良多：“那天庆亮跟我拿相片，我看看这些泛黄照片，忽然很怀念，仿佛看到当年《家》的盛况……”

展望未来发展，冯老只希望大家能演一些观众看得懂，能引起共鸣的戏，将华语戏剧普及化。

邹文学：华语戏剧伴我成长

他看到华语戏剧70年代的高峰，也经历90年代后的退潮，间中有难过有失落，但他从未后悔走上戏剧这条路。对本地资深戏剧工作者邹文学来说，戏剧是伴他成长的路，他在搞戏剧的过程中认识许多朋友，也借着戏剧审视自己的人生观。

邹文学自60年代参与本地华语戏剧，曾为新加坡华语戏剧团体联合会会长，也是郭宝崑经典名剧《棺材太大洞太小》首演演员，还参与过《新加坡河》《钗头凤》《飞天赋格》《浮尔舒2001》等大型演出制作。

在他经历的50年戏剧历史中，觉得70年代是本地华语戏剧一个相当蓬勃的高峰期。“那时最少有20多个文艺团体成立，比如南方、生活、青年剧社和实验剧场等，如果一个团体50个人，20个团体就有1000个人在活动，这些人一年至少会看几场文艺演出，你算一下就知道当时演出反应的踊跃了。”

邹文学记得，他70年代参与生活剧社招生，竟有1000多人报名，其中还有总统奖学金得主呢！

1976年开始，由于一连串社会事件，令一些团体和剧场人难以继续活动，华语戏剧也沉寂下来。80年代的《小白船》《乌拉世界》《糕呸店》虽给华语戏剧带来新生气，但华语剧场的大势已步向沉寂低潮，观众减少许多。

归结原因，邹文学认为是新加坡人华语水平的下降，整个华语大环境的低落。“老实说，70年代的戏剧虽然吸引很多观众，但水平不见得比八九十年代高。特别90年代后期，华语戏剧发展更宽广多元化，像《市中隐者》《阴道独白》都很不错。”

邹文学认为，今天，本地的华语戏剧其实仍具有旺盛生命力，你不一定认同它，但它确实有许多创新的地方。

“这个国家还很年轻，本地戏剧历史也还浅，我们还有很长的路要走呢。”

吴悦娟：开心有人继续搞戏

当吴悦娟被“展览现场”策展人邀请提供文物资料时，回首自己过去参与的戏剧制作，发现这些年确实经历许多事，但同时也有一种难言的孤独感，仿佛从80年代以来曾经合作的那群人已离去，只剩下自己“孑然一身”。

吴悦娟是本地出色的华语剧女演员，80年代开始参与许多重要演出，包括《妈妈的箱子》《钓鹰》《家》《骨骨》《极乐世界》等，并于2006年凭《翻心》获得了“生活！戏剧奖”最佳女演员奖。

从80年代走来，吴悦娟觉得当时华语戏剧也许票房不高，演员收入不多，但大家都有一种对文化的热枕。

“比如当时生活剧社、艺联、春雷等，会不断推出新戏，大家也不计较钱和收入，去演曹禺、老舍、高行健等人的经典作品。这是一种痴迷的，对文化的真诚热爱。”

对比90年代后戏剧盒、TOY肥料厂、海燕等人等剧团的作品，吴悦娟觉得这些剧团趋向本地化和社会写实性，少了80年代华语演出的文化深度和厚度。

身为华语剧演员，吴悦娟也觉得似乎在她和黄家强那一代演员之后，本地似乎已没有多少纯粹华语剧演员了。

她说：“也许我之后，还有洪艺冰、王德亮、郭沛珊、詹辉振、吴美箬等一些人，但现在的华语剧演员，像《天冷就回来》那批人或卓依龄等，有几个是纯粹的华语剧场演员呢？”

演了30多年华语剧，吴悦娟觉得她和华语剧场是余情未了，有戏就演，没戏演就失落，偶尔还有一些感伤。

“像我前几年得了最佳演员，许多资深华语演员都来恭喜我，好像我代表他们争取到什么的感觉……也许有些人觉得我们华语演员被边缘化了，华语剧场消失了，我不懂他们的理解是否正确，但我觉得现在其实也没有所谓的华、英语剧场，只有认真做戏的人和爱看戏的观众。”

她表示，自己并非学者，无法分析华语剧场的发展，她只开心华语剧场仍有像李邪、苏佳亮这样的新一代剧场导演，以及实践剧场、戏剧盒等剧团，继续制作华语剧。

刘晓义：新移民给华语剧场 带来新刺激

他从学生时代的一个旁观者，变成现在的积极参与者，如今还从演员变成导演／编剧，为本地华语剧场开拓更多新空间。

在本地舞台演员中，刘晓义可说是身份较特殊的一个。出生于中国的他，上世纪90年代来到新加坡，之后对戏剧产生兴趣，到实践剧场当驻团演员，演过音乐剧《老九》的主角。近年来他涉足编剧和导演，作品有《猫人》《舞国女王》等，是本地剧场表现最突出的新移民之一。

但刘晓义表示，他并没有区分自己是新加坡还是中国人，只知道自己是一个在新加坡工作的戏剧工作者。

他说：“我参与许多推广新加坡历史、文化和习俗的工作，最近也参与‘戏聚现场’剧本演读，对新加坡历史的了解并不比一些新加坡人少。如果说我是旁观者，不是因为我是外来人，只是因为我不是处在新加坡的过去。”

刘晓义认为，新加坡作为一个多元社会，华语剧场的发展情况比香港和中国大陆、台湾等单一语言地区的情况来得复杂，但这多元文化环境也产生了有别于其他华语地区的华语剧场形式。

“比如郭宝崑所做的多元语言作品，就是新加坡独有的剧场形式。而且新加坡是一个国际化社会，能有各种跨越语言和文化的合作，比如《寻找小猫的妈妈》前几年演出时有德国导演，《市中隐者》有英语剧导演等，这是新加坡华语剧场的优势。”

身为新移民剧场人，刘晓义觉得他的另一种文化背景，能给本地剧场人带来新刺激。像他与柯思仁联合创作《舞国女王》，以不同角度去探索新加坡50年代政治和舞女文化时，彼此不同的思考方式和文化背景，就激荡出许多创作火花。

2006年演《雷雨》时，刘晓义也因跟中国大陆、台湾、马来西亚和新加坡等不同地方的华语演员一起演戏，各自调整念台词的口音。

他说：“不管你来自哪里，来到表演，每个人都必须互相适应，寻找和谐共处的方式。”

“展览现场”设计师陈家毅：一圈圈涟漪 连成波浪

《联合早报》2010年2月2日

　　●“展览现场”于今天开始至2月28日在滨海艺术中心Jendela展出，时间为周日早上11时至晚上8时30分，周末上午10时至晚上8时30分，入场免费。

　　●“展览现场”是“戏聚现场”项目之一。“戏聚现场”是2010年华艺节重点节目之一，由郭庆亮和柯思仁联合策划，主要通过展览、演出、剧本演读和研讨会等回顾新加坡华语剧场的80多年历史。

　　“戏聚现场”压轴活动为“研讨会现场”，请来于善禄（台湾戏剧学者）、吴伟硕（香港演员）、邓树荣（香港导演）、伦尚人（新加坡剧作家）、柯思仁和郭庆亮等人，分享对新加坡华语剧场未来的看法。欲知详情，可上网http://www.huayifestival.com/2010/Scenes/main2.html ，或拨电63245434。

“戏聚现场：展览现场”由本地著名建筑师陈家毅和他的团队设计，他也是上海世界博览会新加坡馆设计师。谈到“展览现场”的设计概念时，陈家毅表示它就像水上涟漪般，把历史一圈一圈地扩散出去……

　　他说：“我和庆亮和思仁在讨论展览概念时，大家就已有共识，不想纯粹地呈现本地华语戏剧历史，这感觉有点冷，好像昨天是昨天，今天是今天。我们更希望把一个个年代，一场场戏剧运动联系起来，让它们各自形成自己的空间，与此同时又像涟漪、波浪般扩散出去，互相撞击和交织在一起。”

从当下回到过去

　　“展览现场”将新加坡80多年来的戏剧历史以主题形式呈现，包括“新加坡和世界华人戏剧”“《雷雨》在新加坡”“电视剧和舞台剧的关系”等。陈家毅设计了弧形板块，把这些相关的戏剧文物资料摆置在板块上，形成不同主题区域。这些板块背后另贴有戏剧历史时间表，从远处看去，它们仿如连成一道巨型波浪。

　　此外，陈家毅也摒弃了一般展览的时间顺序形式，而是以时间倒叙形式，把最新的文物资料摆置在展览厅前，历史悠久的文物资料则摆置在展览厅后，让参观者从当下的华语戏剧回到过去。

　　陈家毅说：“我不想以顺序方式呈现文物，这感觉好像在讲历史。而且我也希望能吸引参观者，让他们从最当下、现代的事物入手，慢慢深入到本地戏剧的沧桑历史。”

　　他形容说，展览空间就像是动物的内脏，光滑的外层有比较复杂的内层，是反刍、消化、吸收的主要器官，参观者顺着这个肠胃，进到深层探讨。

　　陈家毅甚至在板块的离地高度上和灯光上，做了一些细微处理。他指出，展览厅前几个板块都是吊挂着的，灯光也较明亮；然而到了展览厅后头，这些板块却越挂越低，最后回落到地上，灯光也慢慢暗了下来……

　　陈家毅解释说：“我要参观者从一种轻飘飘，不着一物的宽敞感，渐渐地感受到时代的重量，进而产生压迫感觉。”

集中呈现敏感事件

　　在展览厅最里头，陈家毅还隔开一个空间，来呈现一些政治和社会色彩强烈的戏剧事件，包括1970年代一些戏剧团体关闭，90年代《阴道独白》艺理会赞助费临时抽出，和去年《天冷就回来》演出加入“内容含有成人议题”字眼等事件。

　　陈家毅说：“这些戏剧历史也许较敏感，大家不太提起，但我认为，它们是非常重要的历史，起着把本地华语戏剧凝聚起来的作用。”

　　目前，陈家毅较担心的是展览场地不大，参观人数一多地方就会显得非常拥挤，因此他跟郭庆亮建议，可以尝试有参观人数限制，让参观者能更从容地浏览整个展览。

　　他说：“这个展览的一个个小区域就像是一个个小殿堂，更适合一小群人近距离接触这些展览文物，静静地思索过去。”

展览现场开幕

昨天晚上，“戏聚现场：新加坡华语剧展”的节目之一，“展览现场”率先开幕。构思超过两年，准备近一年的展览，终于在最后一刻完成装置，把大门敞开，迎接朋友与嘉宾。

出席的人，各个世代与年龄的都有，黑发白发和满头银丝，在展板之间缓慢浮动。他们从影像与文字的叙事中，寻找着与自己相关的那个时空据点，或者发现着从来没有认识过的历史遗迹。

我想，他们就像庆亮和我，以及整个戏剧盒参与展览的团队成员一样，自豪地面对自己，谦卑地面对历史，感慨地面对那些曾经被叙述过的，以及在别的叙事中被掩埋与压抑的故事。

在这个过程中，就像庆亮昨晚说的，我们重新找到自信，并且坚强地走向未来。

近90年的新加坡华语剧场的历史，要如何在狭小的空间里，合理而有尊严地呈现？这是一个巨大地挑战，也是不可能的任务。我只能说，面对历史，关键是在于一种态度：谦卑与自豪，谨慎与开放，严肃与自在。这一组一组的悖论，建构了历史，也建构了我们。

展览现场 | 滨海艺术中心展览厅 Jendela | 2010年2月2－28日

戏聚现场 展览现场

由柯思仁策划，新加坡杰出建筑师陈家毅设计的展览，让你细心感受，给你耳目一新的体验。展览结合装置艺术、空间、灯光、声音、文字等等媒介，为你介绍新加坡华语剧场的丰富成果，带你回到历史的现场。

展览将为你展示华语剧场的创造者、剧场历史中的重要事件，也让你发现华语剧场如何参与新加坡的社会、政治、经济等等层面的变迁。

入场免费

导览解说
2010年2月6日、20日与27日， 星期六
2010年2月7日、21日与28日， 星期天

下午2时、5时与傍晚7时 – 华语解说
傍晚5时30分 – 英语解说

有意报名者，请把姓名及联络号码电邮至 kate.artivate@gmail.com 或拨电6324 5434。我们会确认您的报名。

每团名额限于15人, 按报名先后, 先报名者得。

滨海艺术中心与戏剧盒将在2010年的华艺节呈献《戏聚现场》，共同回顾新加坡华语剧场的发展历程。第八届华艺节定在2010年2月19日至28日举行。这个委约节目是一个创举，是对新加坡华语剧场走过80余年岁月的献礼，透过华语剧场的发展，回望自1920年代初剧场中人的艰辛耕耘及每一个闪亮时刻。

戏聚现场 新加坡华语剧展将以五个不同的形式，呈现不同时期的创作及其社会文化语境，同时探寻新加坡华语剧场的定位，以及它在不同环境中的回应与呈现方式。《戏聚现场》是滨海艺术中心委托并联同戏剧盒制作的项目，由戏剧盒艺术总监郭庆亮和新加坡学者/剧作家柯思仁联手策划。

戏剧盒呈献 本地华语戏剧80年展 戏聚现场 魂贯往今

《联合早报》2009年12月1日
● 周文龙

戏聚现场

　　为庆祝创团20年，本地戏剧团体戏剧盒将与滨海艺术中心合作，在2010年的华艺节呈献“戏聚现场：新加坡华语剧展”，回顾新加坡华语剧场走过的80余年岁月。

　　戏剧盒艺术总监郭庆亮说，“戏聚现场”是戏剧盒庆祝成立20年的一个重要项目，也是反映新加坡华语剧场的丰富历史遗产的最恰当时机。“在庆祝剧团成立20年时，我们不仅想演出自己的作品，更想整理本地华语剧场80多年的历史发展，向前辈敬礼，也为今天这一代的华语剧场工作者提供宝贵经验。”

历史是一条不断流淌的长河，岁月在不断消失，但舞台上那些光辉璀璨的时刻，却总是让人无法忘怀。

　　由戏剧盒联合华艺节呈献的大型华语戏剧回顾展“戏聚现场：新加坡华语剧展”，将追溯本地华语戏剧的历史长河，透过华语剧场的发展，回望30年代以来剧场中人的艰辛耕耘及每一个闪亮时刻。

　　“戏聚现场”由戏剧盒艺术总监郭庆亮和本地学者／剧作家柯思仁联手策划，将通过演出、展览、剧本演读、研讨会和学生表演等五种不同形式，呈现本地华语剧场不同时期的创作及其社会文化语境，借此探寻新加坡华语剧场的定位，以及它在不同环境中的回应与呈现方式。

　　郭庆亮表示，早在两年前当他构思戏剧盒创团20周年活动时，就有了这个创举性的构思。他说：“我们的华语剧场发展了这么久，作品一直没有累积，也没有进行回顾。大家对华语戏剧的了解不深刻，说来说去只有郭宝崑。因此我便想做一个大型的戏剧展览，让大家更了解过去戏剧跟当前历史、社会的关系。”

　　“戏聚现场”另一策划人柯思仁说：“做为一个旁观者，我一直觉得戏剧盒是一个社会和历史意识感很强的剧团，因此我能明白庆亮要搞大型戏剧回顾展的目的，是与整个社会、环境进行交流互动，从中探索剧团在社会中所扮演的角色。”

　　郭庆亮认为，梳理本地华语戏剧的历史脉络，将能为华语剧场铺路。

　　他举了90年代剧艺工作坊所呈献的英语戏剧回顾展为例说：“当时英语剧场正处于蓄势待发的阶段，王景生通过那次展览，为大家提供了英语戏剧的远景，里面有脉络、有方向，大家更清楚那些作品和演出在历史上的功用。这些造就了后来90年代英语剧场的蓬勃景象。”
　　因此在戏剧盒创团20周年之际，他希望通过“戏聚现场”，向新加坡华语剧场的前辈献礼，同时也为这一代艺术工作者提供宝贵经验。

　　他说：“我不想只演出自己的作品，我更想整理本地华语剧场80多年的历史发展，给本地华语剧场做出回馈。”

历史回顾要尽早做

　　新加坡的华语剧场从1930年代开始发展，至今已有80多年历史，要把这80多年的戏剧历史挖掘出来绝非易事，在整理过程中，柯思仁和郭庆亮往往需要通过重重关系，慢慢地找出过去的戏剧前辈，收集珍贵的戏剧文物资料。

　　这些艺术前辈包括：艺联剧团创办人之一周立良，新加坡艺术剧场的创团成员冯乃尧，南大戏剧会的推手之一李秉彝，以及本地资深演员邬伟强、邹文学等。　

　　郭庆亮表示，现在的华语剧场没有像郭宝崑这样一个中心人物，或剧联这样一个中心组织，戏剧工作者跟艺术前辈的断层太厉害了，这使他们在联络一些艺术前辈时，遇到不少障碍。

　　他笑说：“我好像超级星期天的阿亮，把这些人一个一个地联系起来。最有趣的是，有时绕了一圈，结果发现这些人就在你身边。”

　　像他在找李秉彝时，问了很多人才找到联络电话，结果却发现李秉彝竟然就是他在国大念数学系时的讲师。

　　郭庆亮说：“这些艺术前辈过去为我们华语剧场做出了许多贡献，有着许多感人故事，但我们在一般场面都没机会跟这些前辈深谈，倾听他们述说那些丰富和重要的戏剧经历。”

　　他特别感慨过去几年来，许多戏剧前辈如刘仁心、林晨、郑民威等人逝世，使大家错失了很多跟前辈交流的机会。

　　他有感而发地说：“历史回顾这种东西，能尽早做就尽早做，否则你将会错失更多。”

一切回忆 都在发黄的碎纸上

　　身为学者，柯思仁也深知戏剧文物史料的重要性。　　

　　他说，当他找艺术前辈借出戏剧文物资料，这些人拿了一大叠已经发黄、甚至有点破碎的剧本和文稿给他时，他仿佛见到宝物一样，眼睛顿时发亮。

　　他说：“这些东西对一些人来说，也许只是一叠垃圾废纸，早就想丢掉了。然而对这些戏剧前辈来说，这些碎纸象征他们的一生，他们的一切回忆就在这一张张发黄的纸张上，你能深深地感受到他们拿出文物时的激动心情。”

　　这一年多来，他努力收集的戏剧文物史料有：中正戏剧研究会的章程，艺术剧场50年代戏剧作品的手抄剧本，儿童剧社早期演出剧照，第一届戏剧节《金银花》奖杯等。

　　柯思仁说：“每个时代都有自己的文化特色，反映当时的社会思潮。例如50年代本地忽然涌现一批华语新剧本，而且都有马来语和英语译本，这便与当时新加坡自治、南洋意识的兴起有关。”

　　从这些文物中，柯思仁就看到一代代华语剧场工作者的传承和开枝散叶，从过去的中正戏剧会、新加坡艺术剧场、艺联剧团、南大戏剧会，到后来的实践表演艺术学院、新加坡华语戏剧团体联合会（简称剧联），以及今天的华初中文学会、国大中文学会等。

　　柯思仁说：“回顾历史是现在的潮流，你现在回头来看，就发现华语剧场80年，已形成一个很庞大很复杂的网络。”

　　为了对新加坡华语剧场的历史与发展进行一次发人深省的回忆总集，柯思仁一直不断地修改“戏聚现场”的主题、叙事架构和学术分析文字，至今改了20多遍。

　　他表示，这次的展览不仅是展示文物，也是在撰写新加坡华语戏剧的历史，因此他的展览主题涵盖面非常广，其中包括华语剧场与多元文化／双语剧场工作者的关系，世界华人戏剧在新加坡的发展等。

　　柯思仁说：“我们必须从一个更广的角度来看新加坡华语戏剧的发展，比如新加坡曾是华人戏剧的最重要聚集地，从80年代的戏剧营开始，我们引入了赖声川、高行健、荣念曾等华人戏剧家，形成后来一波的中港台艺术家来新演出，在华人戏剧里扮演了极其重要的推动和交流角色。”

展览由陈家毅与团队设计

　　由柯思仁策划的展览，将由本地著名建筑师陈家毅和他的团队设计，明年华艺节在滨海艺术中心的Jendela视觉艺术展厅举行。展览将加入装置艺术与空间、灯光、声音、文字等媒介的融合，让人获得不一样的印象与感受。

　　另外，展览过后，戏剧盒也将推出两本书籍，一是收集了80年代至今18个代表性剧本的华语剧本集，一是新加坡华语剧场历史文集。

　　郭庆亮表示，这些书籍是给本地戏剧前辈的最佳回馈，感激他们留给现在华语戏剧工作者的许多好作品，还有他们对剧场的奉献。

　　而对于本地华语戏剧未来发展，郭庆亮只是笑笑地说：“我也不知道20年后华语戏剧会怎样，走下去就知道。”

“戏聚现场”重要项目

演出四部 不同时代作品

　　除了展览，“戏聚现场”另个重要项目是演出，郭庆亮和柯思仁挑选出四部具特殊时代意义的作品，由来自不同文化背景的导演执导。

　　郭庆亮表示，这四部作品是从1982年《小白船》后的300多个剧本中挑选出来的。“我觉得1982年《小白船》是本地华语戏剧的重要指标，因为自1982年后本地华语戏剧创作在质与量上都有相当丰厚成果，展现了多元性。”

　　他这次找来两个本地华语剧场导演，一个英语剧场导演，及一个香港导演来诠释四个代表性剧本，便是希望这次演出剧展能形成一种跨文化／语言的交流效果。

　　这四部作品是：

　　1.《棺材太大洞太小》：本地青年艺术家奖得主李邪，改编已故剧作家郭宝崑的经典作品，并以丧葬形式演出，让观众成为演出的一部分。

　　2.《市中隐者／气息尚在》：英语剧团“Cake”导演娜塔莉（Natalie Hennedige）首次执导华语剧，以不同观点诠释柯思仁1996年的作品《市中隐者》里不安分的人在不安分的世界里徒劳的渴望。

　　3.《变形记》：演员／导演苏佳亮将重新解读吴文德1996年由卡夫卡（Franz Kafka）作品得到启示而创作的《变形记》。

　　4.《后代》：香港演艺学院戏剧学院院长邓树荣执导本地媒体工作者林春兰在1992年创作的剧本《后代》，述说本地两代女人的故事。

　　“戏聚现场”是2010年华艺节重点节目之一。

“戏聚现场” 其他项目

·生力军剧场

邀请本地学校团体呈献学校戏剧团体的创作成果，借此表现学校戏剧活动对剧场发展的贡献。

·剧本演读现场

演读1930至1982年的本地创作剧本精彩片段，让观众看到华语剧场这些年来的多元面貌。

·研讨会现场

聚集新加坡、台湾和香港的剧场工作者、评论家与观众，对本地剧场进行一场深入交流与讨论。主讲者包括于善禄（台湾戏剧学者）、吴伟硕（香港演员）、伦尚人（新加坡剧作家）和柯思仁等。

征求戏剧文物　

戏剧盒向公众发出信息，希望能征集到本地华语戏剧自20年代以来的珍贵、有趣、具纪念价值的资料或物品，如照片、刊物、演出场刊、手稿、绘图、海报、徽章、文具以及任何相关文物。

凡有以上文物又愿意捐献或借出的公众，请在今年12月11日前联络戏剧盒的王放（电话：63245434，电邮：kate.artivate@gmail.com）

华艺节2010 | 戏聚现场 新加坡华语剧展

滨海艺术中心与戏剧盒将在2010年的华艺节呈献 戏聚现场，共同回顾新加坡华语剧场的发展历程。第八届华艺节定在2010年2月19日至28日举行。这个委约节目是一个创举，是对新加坡华语剧场走过80余年岁月的献礼，透过华语剧场的发展，回望自1920年代初剧场中人的艰辛耕耘及每一个闪亮时刻。

戏聚现场：新加坡华语剧展 将以五个不同的形式，呈现不同时期的创作及其社会文化语境，同时探寻新加坡华语剧场的定位，以及它在不同环境中的回应与呈现方式。戏聚现场 是滨海艺术中心委托并联同戏剧盒制作的项目，由戏剧盒艺术总监郭庆亮和新加坡学者/剧作家柯思仁联手策划。

演出现场

四部具有特殊时代意义的作品，由来自不同文化背景的导演执导。

国家艺术理事会青年艺术家奖（2005）得主李邪，将改编新加坡已故剧作家郭宝崑的经典作品《棺材太大洞太小》，并以非传统的剧场氛围，即以丧葬形式进行，让自由就座的观众也成为演出的一部分。

英语剧团 Cake 的娜塔莉（Natalie Hennedige），则将首次执导华语剧《市中隐者/气息尚在》，以不同的观点，诠释剧作者柯思仁1996年的作品《市中隐者》里不安分的人在不安分的世界里徒劳的渴望。

演员/导演苏佳亮将重新解读吴文德1996年由卡夫卡（Franz Kafka）作品得到启示而创作的《变形记》。

香港得奖导演邓树荣将执导林春兰在1992年于实践话剧团（即实践剧场）剧本创作室完成的《后代》。

展览现场

对新加坡华语剧场的历史与发展的一次发人深省的回忆总集。由柯思仁策划，新加坡著名建筑师陈家毅和他的团队设计的展览，将在滨海艺术中心的Jendela视觉艺术展厅举行。这个展览，让观众目睹历史的瞬间与过往，加上装置艺术与空间、灯光、声音、文字等媒介的融合，获得不一样的印象与感受。

生力军现场

呈献学校戏剧团体的创作成果。这个部分，也是表达学校戏剧活动对剧场发展作出贡献的推崇与感谢。

剧本演读现场

从战前到今天的本地创作剧本中挑选精彩的片段，让观众看到华语剧场这些年来的多元面貌。

研讨会现场

聚集新加坡、台湾和香港的剧场工作者、评论家与观众，对新加坡剧场进行一场深入的交流与讨论。

戏聚现场 的演出与研讨会门票，以及华艺节其他演出的门票，将从2009年12月1日起在滨海艺术中心售票处（电话：6828 8377）和全岛各处的SISTIC电脑售票处（电话：6348 5555）出售。另外，公众也可上滨海艺术中心网站 www.esplanade.com 购票。

白色空间之编剧系列：剧本演读

戏剧盒主办的白色空间编剧系列的第二系列，从去年底开始，经过一段时间的讨论和酝酿，将在8月初举行公开演读会。第一系列出了好些不错的新进剧作者以及剧本，成果就在“新剧季2009” 让观众检验。

第二系列的演读会，产生了七个剧本，而两个 mentor （世炬和子健）也有产品呢。演读会的详情如下：

8月2日（星期日）2pm - 6pm

1. 李世炬《远角》（导演：Zelda）
2. 张子健《？》（导演：郭庆亮）

8月8日（星期六）2pm - 6pm （导演：Zelda）

1. 曹颖《世界》
2. 黄素怀《雅克之死》
3. 郑宇超《螃蟹米粉》

8月9日（星期日）2pm - 6pm（导演：刘晓义）

1. 傅正龙《真人不露相》
2. 黄慧怡《女子公寓》
2. 陈玉能《我要一辆车》
4. 钟坤华《失乐园》

地点：旧国会大厦 The Arts House 入场免费

戏剧盒“新剧季”

从2007年底开始，我参加戏剧盒主办的第一届“白色空间编剧系列”，作为四个带引新剧作者的 mentor 之一。经过半年多与 mentee 的互动，去年8月，新剧作者的作品，在新加坡剧场节的演读会，第一次与观众见面。又过一年，三个作品获选，将正式演出。

我非常期待，看到这三个作品分别让导演进一步诠释，在剧场中出现。看剧场演出，将会是一种与阅读剧本，或看 dramatised reading，很不一样的经验。

尤其期待的，第一，是我的 mentee 文森编剧，由君伟导演的《上身不由己》，第二，是南大中文系修过我三门课的秀彬编剧，由集庆导演的《反复仿问》，第三，是曾经上我在戏剧盒演讲系列的佩芬编剧，由 Loretta 导演的《第八签》。

哈哈，说到来，三个剧都是既“非常期待”，又“尤其期待”！

还有还有，剧中的演员，有两个是南大中文系的同学（海彬、晓义），还有一个是南大艺术、设计与媒体学院的第一届毕业生（子涵）。哇，好多南大人哦。

哎呀，反正三个戏都要看啦。

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戏剧盒呈献，The Art House 联办
新剧季 New Play Season 2009

购票网站： www.gatecrash.com.sg